朗诵艺术与交响乐

说到朗诵艺术与交响乐,就要首先弄清楚什么是朗诵,朗，即声音的清晰。响亮；诵，即背诵。朗诵，就是用清晰、响亮的声音，结合各种语言手段来完善地表达作品思想感情的一种语言艺术。朗诵是口语交际的一种重要形式。朗诵不仅可以提高阅读能力，增强艺术鉴赏，更为重要的是，通过朗诵，大者可以陶冶性情，开阔胸怀，文明言行，增强理解；小者，可以有效地培养对语言词汇细致入微的体味能力，以及确立口语表述最佳形式的自我鉴别能力。

朗诵，是一门高雅的艺术，是一门“诗意”的艺术。有人说，诗是人类心灵的最后一道防线。也有人这样理解：“诗心”是孕育良知的土壤；是健康人格和美好人生理想的幼苗；是发现美，珍惜美，追求美，创造美的动力。具备了“诗心”的人，才可能拥有诗意的人生、诗意的生活，才会懂得人的尊严与生命的价值，也才可能在社会现实中救赎自己，救赎人类。

朗读会让人更为厚重和精致。语言不仅仅是一种工具，它的背后蕴含的是一种文化。每一种语言都记录着一个民族的兴衰荣辱，表达着一个民族的思维方式，体现着一个民族的精神气质，涵养着一个民族的生存智慧，传承着一个民族的文化血脉。中华民族五千年流传下来的经典文学语言，蕴藏着本民族最丰富的文化传统和精神财富，倾情朗读这些珍贵而美好的文字，就是在与历代先贤进行高贵的心灵对话，就是在追寻一部浩瀚而优秀的思想历程。

一个经济高速发展的社会、一个锐意创新的民族，如果没有先进和深厚的文化作为根基，脚步是不坚实的。朗读和朗诵让我们不断回望历史，远离浅薄，走向厚重；朗读和朗诵让我们不断回望文化，远离潦草，走向精致。网络文化的热潮不仅改变了人们的阅读方

式，甚至改变了人们的生活方式和思维方式。铺天盖地的信息、唾手可得的百科知识、色彩斑斓的文化碎片，让我们可以省略踏破铁鞋无觅处的过程，就能直达得来全不费功夫的结果，就能应接不暇地享受着获取的快感。于是，人们渐渐适应了花团锦簇蜂蝶绕、百花争向艳阳红的喧嚣，而缺少曲径通幽处，禅房花木深的意趣，缺少踏雪寻梅的雅致和耐心，也缺少了曾经沧海难为水，除却巫山不是云的鉴赏力和感悟力。

正因为朗诵的艺术魅力和抒发胸怀，表达意境和感染人们情绪，激发人们情感的作用，从古至今，那些文人墨客每逢大事喜事要事都聚集在一起，对酒当歌，和着音乐，用高声的吟咏，豪放的诵读，或者抒发忧国忧民，但又无法施展抱负的那种迷茫、彷徨，抑郁、愤懑和直抒胸臆的呐喊。也正因为朗诵的艺术力，感召力，感染力，每逢有重大喜事的时候，人们都举办各种形式的朗诵会来表达和抒发自己的心情。建国大典、抗美援朝胜利、两弹一星成功……。1976年，四人帮被粉碎，全国人民欢欣鼓舞，首都各界举办了盛大的诗歌朗诵会，艺术家们声情并茂地朗诵感染感动了在场所有的观众和收音机旁的亿万听众，著名艺术家们现场表演的郭沫若的《水调歌头 粉碎四人帮》，“大快人心事，揪出“四人帮”。政治流氓、文痞，狗头军师张。还有精生白骨，自比则天武后，铁帚扫而光……”引起了在场所有观众的共鸣。一首《周总理办公室的灯光》，“在碧波荡漾的中南海/周总理办公室的灯光呵/闪耀着一个又一个通宵/在出国访问的飞机座舱里/周总理办公室的灯光呵/星星一样闪亮/在巡视祖国的列车上/周总理办公室的灯光/车灯一起赛跑……”让在场所有的观众和收音机旁的听众热泪盈眶。建国50周年、60周年，抗日战争胜利70周年，人们都用诗歌朗诵会的形式抒发情感，表述意境，许多电视台、大中小学校、企业集团，人们也经常把诗歌朗诵会作为纪念节日，庆祝胜利和对学生员工进行爱国主义和弘扬社会主义核心价值观教育，提升人文素养的重要形式。诗歌朗诵和朗诵会之所以受到人们的欢迎，不仅有那些包括各种名诗名句在内的朗诵作品的内在魅力，更有配合着朗诵者热情洋溢的音调而配置的优美音乐。几乎所有的诗朗诵特别是大型诗朗诵会，没有一首朗诵作品不是配乐诗朗诵，文化部举办的每两年一度的“五个一工程” 颁奖典礼晚会上，艺术家们

歌颂时代，赞美祖国，感染所有观众的高水平的朗诵是在关峡《第一交响曲》的优美音乐背景下进行的；每年一度的教师节，许多院校和教育部门组织的文艺演出，那些美丽的女教师们表达用生命铸造灵魂，用爱心浇灌桃李的韶华赞歌，是伴随着《大漠敦煌》的优美旋律进行的；纪念抗日战争胜利70周年的大型诗朗诵《历史不会忘记》，是在交响乐《红旗颂》波澜壮阔的音乐衬托下进行的。有了音乐，有了这些优美的背景音乐，特别是有了那些经典的交响乐曲做背景，那些朗诵特别是诗歌朗诵才具有多彩的魅力和极强的感染力。因为言语与歌唱，朗诵与音乐有着天然的共生性联系，歌曲就是有旋律的诗歌，音乐就是流动的诗歌。诗歌朗诵只能简单表达人们的情怀，但和音乐结合起来的诗歌朗诵才能真正把情感表达的畅快淋漓，才能真正体现诗歌内在的意境和精髓，通过诗歌朗诵来了解交响乐，了解音乐作品和朗诵作品的结合，才能感受音乐的意境和诗作的情怀，才能深入地感受和理解音乐，才能发现、享受不同艺术形式的和谐之美。

朗诵之所以需要用音乐做背景，特别是需要一些旋律激昂，气势磅礴或者节奏舒缓，风格婉转的交响乐作品做背景，是因为这种诗、乐的结合才能够感受到诗歌作品的意境和精髓，才能感受到声情并茂的艺术魅力。而且诗歌与音乐作品的结合，才能有效的根据诗歌情绪和音乐风格把握朗诵时的语言节奏，以体现婉转和谐的韵律之美，气势恢宏的豪放旋律之美。

特别是在诗歌的朗诵中，根据不同意境选择不同情绪的音乐作品做背景更为重要。因为朗诵最多的是诗歌，诗歌是我国文化宝库里的一颗耀眼明珠,是中华民族历史文明的精神支柱，是一种情感的渲泻，是一种意境的表达。它可以产生美，甚至改变一代人的思想和灵魂。由古至今，多少诗人作出了令人叹为观止的佳词丽句，多少墨客写下了令人一咏三叹的千古名篇。正是因为有了诗歌，才有了苏东坡的“大江东去浪淘尽，千古风流人物”中对历史的感慨；才有了王昌龄的“大漠孤烟直，长河落日圆”中战士守边防的悲壮与忧伤；才有了张若虚“众人皆浊我独清，举世皆醉我独醒” 韵调优美的千古绝唱；才有了李

清照“寻寻觅觅，冷冷清清，凄凄惨惨戚戚” 低沉回转的婉约经典；才有了苏东坡月下把酒，声声向苍天发问激情澎湃的豪放情怀。如何和着那些或清丽空明，或激情澎湃，或婉转低廻，或豪迈高昂，或小桥流水，或波澜壮阔的音乐作品，特别是交响乐作品，将诗人和诗作的意境、情怀进行淋漓尽致的表达，是诗歌朗诵成功的关键。

因此，在进行诗朗诵时，一定要根据诗作的意境和主题选择合适的交响乐曲来表达意境。如朗诵那些歌颂时代，赞美英雄的诗歌作品，就应该选择吕其明的《红旗颂》、关峡的《第一交响曲》、贝多芬的《命运交响曲》那些节奏强烈，大气磅礴的交响乐曲做背景；朗诵那些回顾历史，具有沧桑的作品，就应选择《大漠敦煌》、《黄河钢琴协奏曲》，贝多芬的《悲怆交响曲》那些节奏舒缓，气势恢宏的交响乐曲；朗诵古典诗歌或诗词，就应选择《梁山伯与祝英台》、《大漠敦煌》、《二泉映月》那些风格婉转，旋律优美的交响乐曲；朗诵青春风采、阳光向上的现代诗作时，就应选择《The sound of slicence(寂寞之声)》、《栀子花开》等那些具有青春色彩和校园风格的现代音乐作品。

根据一些艺术家和诗歌朗诵爱好者的推荐，适合为诗朗诵做音乐背景的交响乐曲按表现形式可以分为以下几个类别。

一、庄重严肃，壮观宏大类

1.《红旗颂》

红旗颂是由中国大陆作曲家吕其明创作的交响诗。该作品于1965年创作并首演成功。红旗颂以红旗为主题，描绘了1949年10月1日中华人民共和国成立时第一面五星红旗升起的情景．同样，它以宏伟庄严的歌唱性的旋律，表现了中国人民在红旗的指引下，英勇顽强，奋发向上的革命气概，热烈讴歌了伟大祖国蒸蒸日上的繁荣景象。该乐曲融入了国

歌、东方红、和国际歌的旋律。这是一首赞美革命红旗的颂歌。乐曲开始，小号奏出以国歌为素材的引子，紧接着，弦乐奏出舒展、优美的颂歌主题，描写一九四九年十月一日，天安门广场升起了第一面五星红旗－－新中国诞生了！人们仰望红旗，心潮澎湃。乐曲的中间部分，在铿锵有力的三连音节奏进行中，圆号奏出简短有力的曲调，仿佛前进的号角。接着，颂歌主题变成了豪迈的进行曲，象征着在革命红旗的指引下，中国人民迈开了巨人般的前进步伐。颂歌主题的再现部分，表现了亿万人民对伟大领袖、伟大祖国和伟大的中国共产党的尽情歌颂。尾声处号角更加雄伟、嘹亮，形成强劲有力的最高潮，表现了中国人民永远高举红旗，奔向共产主义明天的英雄气概。整首乐曲气壮山河。这首交响曲已成为传世的经典之作，许多场合，许多艺术家都用它来作为歌颂时代，赞美祖国，赞美英雄诗歌朗诵的背景音乐。

2.关峡《第一交响曲》

《第一交响序曲》是关峡在2003年12月创作完成的一部大型交响乐作品，取材于歌剧《悲怆的黎明》的音乐。乐曲的主要旋律用在电视剧《激情燃烧的岁月》的配乐中。 大型民族歌剧《悲怆的黎明》首演于2001年的北京，2003年由中央电视台录制成舞台艺术片播出。从乐曲的一开始到高潮迭起的中途，从波澜壮阔的高潮到希望和思考无限的曲尾，至始至终地感染着我们。整个乐曲演奏过程中，如流水一样委婉的钢琴，催人奋进的鼓声，令人深思的大提琴，深情缠绵的木管，激情四射而感人至深的小提琴，这些巧妙地柔合和尽情的表达，都是在细腻地描绘着那一个个催人奋进而激动人心的场景，同时还对寥廓的天宇、潺潺的流水、鸟语花香的美境、令人颤抖的人物抒情等等的细节，也勾画的淋漓尽致而又恰到好处。在音乐欣赏过程中，仿佛使我们既看到了炮火连天的战争场面，欢呼雀跃的胜利场面，又看到了热血沸腾的人物场面，轰轰烈烈的建设场面，还让我们看到了亲人的团聚、夫妻的重逢、情人的相约，以及巍峨的高山、辽阔的大海、美丽的田野和翩翩起舞的蝴蝶。乐曲气氛壮观，大气磅礴，充分体现了中国交响乐所能表现出的微妙和壮观，

细腻和豪放，宁静和舞动，不失为如今我国交响乐舞台上的精品。

在叙述创作过程时关峡写到：“我决定投入大量时间和精力来创作这类题材的音乐作品是因为剧中的人物常常使我激动不已。在作曲的过程中我仿佛和他们共同经历着漫漫人生中所遭遇的种种坎坷，伴随他们固守着那份纯真的情感走向了崇高，开启了我尘封已久的记忆，让我找回了一些看似无足轻重，然而却是十分珍贵的东西……。”

《第一交响序曲》充分运用人性化的音乐表达方式，注重表现人的心灵及情感诉求，作曲家调动管弦乐手段营造出厚重的情感氛围，力求在内容和形式的结合上达到高度统一，满足当代听众听觉和心理上的审美需求。乐曲满怀激青地颂扬了改写中国历史进程的、无怨无悔奉献人生的老一辈特殊群体，并结合当代民众心态升华出昂扬向上的时代精神。 2002年关峡将序曲音乐用到电视剧《激情燃烧的岁月》的配乐中。他说：“这是由于电视剧《激情燃烧的岁月》和歌剧《悲怆的黎明》这两部作品在挖掘那一代人心灵层面的崇高美，表现普通人身上所蕴含的英雄主义和理想主义的情怀及其深层表达方面有着异曲同工之妙。”

3.《黄河》钢琴协奏曲

《黄河》钢琴协奏曲取材于抗日战争时期的救亡歌曲《黄河大合唱》，1969年由殷承宗、储望华、刘庄、盛礼洪、石叔诚和许斐星六人改编为协奏曲;这部钢琴协奏曲在创作中运用了西洋古典钢琴协奏曲的表现手法，在曲式结构上又融了入船夫号子等中国民间传统音乐元素，不仅在当时的国内引起了强烈的反响，还因为其史诗的结构、华丽的技巧、丰富的层次和壮阔的意境，成为世界音乐史上最为著名的一首中国协奏曲。

1970年5月1日，钢琴协奏曲《黄河》在北京民族文化宫正式公演。节目安排是先

演钢琴伴唱《红灯记》。由于长期劳累忙于创作和演出，殷承宗在弹《红灯记》时扭伤了腰动弹不了，但他咬着牙坚持到底，弹完后被立即送往附近医院。医生为他紧急处理，打针加绷带，再赶回文化宫演出《黄河》。剧场备了一张靠背椅，以防他万一倒下去。在这种状况下完成了钢琴协奏曲《黄河》首次公演。1971年，殷承宗随中央芭蕾舞剧团出访欧洲六国，演出舞剧《白毛女》和《红色娘子军》，每场演出前都加演钢琴协奏曲《黄河》。这是钢琴协奏曲《黄河》第一次在国外演出。1973年9月，指挥大师尤金·奥曼第带了美国费城管弦乐团来华指挥演出《黄河》，由殷承宗独奏;这是钢琴协奏曲《黄河》第一次由国外乐团演出。之后，有更多的国外乐团演出钢琴协奏曲《黄河》，包括正当盛年的指挥大师阿巴多与维也纳交响乐团的来华访问演出。

钢琴协奏曲《黄河》的录音版本很多，目前有比较公认的最优秀的版本主要有1990年殷承宗和捷克广播交响乐团合作，艾德里安·利帕指挥，香港马可·波罗公司出品；1974年，爱泼斯坦〈美〉与美国费城管弦乐团合作，指挥大师尤金·奥曼迪指挥，美国RCA唱片公司出品； 2007年，我国著名青年钢琴演奏家郎朗与中国爱乐乐团合作了这部钢琴协奏曲(DG唱片公司)。这部经典作品是进行严肃题材作品朗诵极佳的背景音乐，

4.贝多芬《命运交响曲》

贝多芬的作品集古典音乐之大成，开浪漫主义音乐之先声。他比任何前辈都更鲜明地揭示：音乐的力量可以不借助语言文字而传达一种人生哲学。他通过自己的音乐语言，倾诉了欧洲人民在封建专制桎梏下的苦难境遇，信守自己提出的“人民艺术家的作品，应当为穷苦人们服务”的信条，讴歌了广大人民群众反抗专制统治和外敌侵略的英勇斗争。他主张“应给世界以和平和完善的法律，不要再进行侵略”，音乐“要表现外界和内部的和平”。在音乐形式方面，他开拓了奏鸣曲、交响曲、协奏曲和四重奏的范围。他最伟大的成就之一，就是提高了音乐的地位：音乐在18世纪曾被认为是低于文学和绘画的艺术；

在他之后，再也不能说音乐只不过是“悦耳的艺术”了。

然而，更令参观者感动而铭心难忘的还是贝多芬战胜耳聋、成为乐圣的惊人毅力。他年轻时患有耳疾，32岁时加重，49岁时完全失去听觉。这对一位音乐家来说，无疑是致命的打击。他曾闪现过自杀的念头，写下了著名的《海利根遗嘱》，但发自内心的艺术家责任感的呼唤使他醒悟：“不能什么都没有创作就离开这个世界。”他决心向厄运挑战，“要扼住命运的咽喉”。于是，他以水滴石穿的坚强意志，在耳聋条件下，全凭记忆和乐感作曲和演奏，写成了《命运交响曲》。《命运交响曲》原名《第五交响曲》，它是一部哲理性很强的作品，也是最能代表贝多芬艺术风格的作品。《命运交响曲》结构严谨，手法简练，形象生动，各乐章之间具有十分清晰的内在联系。整部作品情绪激昂、气魄宏大，富有强烈的艺术感染力。贝多芬的这部作品，开始的四个音符刚劲沉重，仿佛命运敲门的声音，因此被称作命运交响曲。

舒曼认为：“尽管你时常听到这部交响曲，但它对你总是有一股不变的威力——正象自然界的现象虽然时时发生，却总教人感到惊恐一样。”1830年五、六月间，门德尔松在魏玛逗留了两星期，和歌德作最后一次会晤，在钢琴上为他演奏了古今著名的作品。歌德听了《命运交响曲》的第一乐章后大为激动，他说：“这是壮丽宏伟、惊心动魄的，简直要把房子震坍了。如果许多人一起演奏，还不知道会怎么样呢。”1841年3月，恩格斯听了《命运交响曲》的演出。他在写给妹妹的信中赞美这部作品说：“如果你不知道这奇妙的东西，那么你一生就算什么也没有听见。”他说，他在第一乐章里听到了“那种完全的绝望的悲哀，那种忧伤的痛苦”；在第二乐章里听到了“那种爱情的温柔的忧思”；而第三、第四乐章里“用小号表达出来的强劲有力、年轻的、自由的欢乐”，又是那么鼓舞人心。恩格斯用短短的几句话，揭示了《命运交响曲》的精髓。

这部不朽的经典之作，理所当然的被许多人作为诗歌和诗词朗诵的极佳音乐背景和影

视剧作的主题音乐。

5.贝多芬《第九交响曲》

贝多芬《第九交响曲》由德国作曲家路德维希·凡·贝多芬创作于1823年的一部大型四乐章交响曲，因其第四乐章加入了大型合唱，故后人称之为“合唱交响曲”。首演于1824年5月7日的维也纳凯伦特纳托尔剧院。这部交响乐构思广阔，思想深刻，形象丰富多样，它扩大了交响乐的规模和范围，超出了当时的体裁和规范，变成由交响乐队、合唱队和独唱、重唱所表演的一部宏伟而充满哲理性和英雄性的壮丽颂歌。贝多芬通过这部作品表达了人类寻求自由的斗争意志，并坚信这个斗争最后一定以人类的胜利而告终，人类必将获得欢乐和团结友爱。从作品的酝酿到完成，第九交响曲倾尽了贝多芬数十年的心血，是其音乐生涯的登峰造极之作。全曲从头至尾的演奏时间至少需要一个小时以上，但并无任何冗长拖沓之感。

《第九交响曲》的首演充满了坎坷。贝多芬的音乐风格在当时的维也纳受到了罗西尼和意大利歌剧的强大冲击，有些人甚至攻击贝多芬的音乐已经过时。面对这种状况，贝多芬忧伤受辱，将去伦敦定居，并想在那儿演出《第九交响曲》。这时候维也纳听众熬不住了，反而又强烈的呼吁《第九交响曲》应该在维也纳首演，很多人联名写信给作曲家要求他留在维也纳，信中充满了真切的感情。贝多芬为此回心转意，开始筹划作品在维也纳的首次演出。

《贝多芬第九交响曲》以其严谨深刻的思想、永恒神圣的热情、无与伦比的力量和伟大高尚的心灵，赢得全体听众的心，《贝多芬第九交响曲》急速雄壮的旋律，伴随《欢乐颂》激情澎湃的唱词，唱出了人们对自由、平等、博爱精神的热望。当然贝多芬并没有照搬席勒的原诗，而是以自己独到的理念，配合音乐的需要做了一定的删节和修改。在激动

人心的歌词和贝多芬超人般旋律的相互烘托下，在四个不同声部人声的独唱、重唱以及大合唱团的合唱下，《欢乐颂》得到了升华，欣赏的人们得到的是无与伦比的奋进力量和精神支柱。乐章的最后，这种气氛被表现到了极致，整部作品在无比光明、无比辉煌的情景下结束。

首演取得了令人震惊的成功。听众沸腾了，欢 呼、兴奋、不能自已，许多人流下了热泪。起初贝多芬在指挥台旁，背向听众，因耳朵早已失去听觉，对身后沸腾的场面毫无察觉，当女中音独唱演员把他扶转过来时，他才发现这激动人心的场面，大受感动，频频致意。谢幕五次仍掌声如雷，激动的人们不能平静。这早已超过了当时的皇帝到场只准三次鼓掌欢呼的标准，以致警察不得不出面干涉。而作曲家本人却被这超乎寻常的热情场面激动得晕厥过去，一度不省人事……

如今距离1824年的首演盛况，已经过去近两百年了，但是贝多芬的《第九交响曲》和《欢乐颂》却成为了长盛不衰的经典作品。在这两百年岁月中，几乎所有的后辈音乐家、作曲家都被这部宏伟的作品所倾倒；更有无数业余的听众被这部作品所带来的音乐哲理、音乐气度所感染！因为这部作品，贝多芬成了神一样的人物，《欢乐颂》成为了人类历史长河中永远不灭的自由、和平之明灯。

6.德沃夏克《新世界交响曲》

《新世界交响曲》由捷克作曲家安东·德沃夏克创作于1893年，是他最重要、最有价值的一部作品，同时也是世界交响音乐宝库中的珍品之一。首演于1893年12月的纽约，在《新世界交响曲》中，德沃夏克运用了大量的黑人音乐素材，又溶入了他的波希米亚情结和斯拉夫音韵。纯朴的五声音阶、独特的切分节奏使《新世界交响曲》充溢着浓郁的异国情调，有着丰富、强烈、新奇的斑斓色彩。

《新世界交响曲》的创作源于德沃夏克在美国时对自己故乡的思乡之情，他于1892年来到纽约，当时，美国工商业以及金融业已经得到了极大发展，纽约又是这个帝国的中心。车水马龙的街道，彻夜通明的灯光，鳞次栉比的金融机构，都在向初来美国的德沃夏克证明，这是一个繁华的欲望都市。而这一切与德沃夏克生活的布拉格形成了强烈的反差激发了他的创作灵感被。到美国后三个月，德沃夏克开始着手创作一部新的交响曲，在此之前他已经有八部交响曲，但美国音乐界的朋友们热切地希望德沃夏克写一部能代表美国精神的作品。美国历史很短，不像欧洲那样有着深厚的文化根基，尤其是在音乐上，美国更是乏善可陈，所以美国人也非常期待一部产生在这片大陆上的作品。

《新世界交响曲》一直被认为是融合了很多美国音乐元素的交响曲，但作曲家认为是对家乡的回忆。作品当中包含着许多捷克民族的旋律，也存在着德沃夏克以前作品中没有的新的音乐语言。这些语言使这部交响曲显得激动，仿佛是被新鲜事物引起的兴奋，但它有时表现出的浓郁的忧伤，又像是沉浸在对故乡的思念之中，包含着多少乡愁。

7.电影《时光倒流70年》主题曲

电影《时光倒流70年》的主题曲《somewhere in time》（似曾相识）最终和本片一样成为了经典，它的完整题名为《帕格尼尼主题狂想曲》，是一支温柔多情、缠绵悱恻的钢琴协奏曲。此曲是俄罗斯作曲家拉赫·马尼诺夫于1934年完成的一首钢琴与管弦乐作品，取材于一百多年前意大利小提琴家帕格尼尼的《24首小提琴随想曲》，利用其中第24首随想曲的音乐主题。这首乐曲被导演拿来作为一件重要的音乐道具，起到了跨越时空、在男女主人公之间沟通心灵的作用。《帕格尼尼主题狂想曲》乐章的钢琴与乐队曲，技巧复杂精深、气势辉煌，成为十九世纪浪漫主义音乐炫技一派的绝响。

激情，浪漫的《帕格尼尼主题狂想曲》代表了男女主人公冲破时空的重重阻碍坚忍不

拔的爱情，它是浪漫的，炽热的！在这一方面，虽然它在影片中所占的篇幅不如主题曲，但却是影片的精髓所在！没有这昂扬的乐声就等于缺少了爱情那勃勃的生机和力量！也就不可能使得电影如此感人！人生若只如初见，何事西风悲画扇！生命可以因为时间而逝去，爱情却由此而永恒！有情人最终在天堂相见了，故事也到此为止，它的主题又何尝不是《帕格尼尼主题狂想曲》那激昂振奋主题的延伸？

《帕格尼尼主题狂想曲》创作之时世界乐坛正在发生着很大的变化，传统的调性体系、曲式、节奏等惯用的音乐法则被抛弃，代之而起的是流派纷呈的“新音乐”，无调性音乐、表现主义、后浪漫主义、新古典主义、十二音列等等相继出现，“求异响于新声”是欧美音乐的时代潮流，而拉赫玛尼诺夫不为所动，仍然在十九世纪的风格和形式里寻求个性的表现。帕格尼尼这位小提琴魔鬼被许多人描绘成炫技能手，看不到他的辉煌技巧给浪漫派带来的风格上的影响，这不但低估了帕格尼尼的艺术价值，也是对浪漫主义艺术本质的忽略。浪漫主义是一种不受拘束和无穷无尽的美，浪漫音乐最突出的特点是狂热的主观表现。音乐家表现狂放无羁的感情世界，必须有炉火纯青的技巧为依托，才能进入横无际涯的艺术境界。有一件趣闻说明的正是这个问题，有一次，一位提琴手拿着乐谱去找贝多芬，提出某些小提琴部分的音乐太难，不好演奏，请作曲家修改一下，贝多芬却说：“当上帝唤醒我的时候，你以为我还会去考虑你那倒霉的提琴吗？”

帕格尼尼精妙绝伦的演奏技巧和火热的演奏风格正是浪漫派作曲家渴求的境界，激发了许多音乐家的热情，追随效法者甚众。他们一方面在技巧和演奏风格上提高精进，另一方面直接从帕格尼尼的音乐里获取灵感，把他的作品改编成其它乐器的独奏曲，或者是以他的音乐主题为素材创作出自己的音乐。在大量的改编曲里，最著名的当然还是几位大作曲家的手笔，其中包括舒曼、勃拉姆斯、李斯特、拉赫玛尼诺夫，作为音乐会曲目至今还频繁演出的当推拉赫玛尼诺夫的这首《帕格尼尼主题狂想曲》。

8. 电影《阿甘正传》主题曲

《阿甘正传》的电影音乐专辑唱片的制作人罗伯特·加美克斯、乔·西尔和格兰．布鲁曼，在研究了各个时期的音乐后，从成千上万首歌曲中选出了31首，而后又请作曲家艾伦．西尔维斯蒂谱写了《阿甘组曲》，合起来，就是影片中所有的音乐，也是唱片的全部内容。但影片中还有许多歌曲，远远不止这37首，有的只是一闪而过，有的歌曲则是从影片中的电视和电台中放出……等等。而且导演在对这些歌曲在片中出现的时间地点处理的非常巧妙。不过要在这里强调的是，里面任何一首歌曲，更多的是满足电影的需要

《阿甘正传》通过描写主人公Forrest Gump神奇的个人生活历程，展现了美国二战后的历史发展。《阿甘正传》的插曲不但使三种插曲方法各有作用，而且，整个影片的插曲既非常适当地参与了叙事，又对表现美国的人文历史起到了重要作用。

开头整段音乐的影子渐起，小提琴的单音给人一种很空灵的感觉，画面中的那个羽毛处在茫茫的高空，似乎就要落下又似乎不会落下。钢琴渐渐奏出了主旋律，很轻，但有中浅浅的力量的推动着旋律的进行，也推动着画面中这根羽毛的运动轨迹。羽毛随风飘浮，有时被风狠狠地吹向天空，有时又轻盈的落下，谁也不知道它终究会飞向哪，就像生活在这世上的每一个生命一样，生命就像这根羽毛很脆弱，因为会被外界控制着飘动的方向，但也很坚强，因为无论是迎风还是逆风，都能很好地适应。

音乐的节奏与画面的转场和切换的节奏很吻合，并且每一个乐句中随着音调的高低不同，羽毛的运动也会随之发生改变。第一乐句（前八小节），小提琴和钢琴组织了整个片断，听上去很轻盈稚嫩，就像一种对话，是期望和难以预料之间的对话，那种难以预料真让它感到失落同时也像孩子一样充满好奇感。这一乐句也开门见山的交待给听众第一主题的主旋律。第二乐句，音乐被渐渐丰富，钢琴的音调不再是第一乐句那样清脆轻盈，而变

得深沉了一些，中提琴和低音提琴的加入使整个音乐非常充实，多了一份厚重、成熟之感，影像中那根象征着生活在大千世界的渺小生命的羽毛渐渐适应了无助的飞翔，适应了所处的环境，并开始由稚嫩变得成熟，渐渐地能从苦难中找到愉悦，令自己感到快乐。

直到第二乐句的结尾音乐声渐渐隐去，画面中的羽毛慢慢也落下，落到了一个等待红灯的行人的肩膀上，似乎这里，应该是它的归宿了。但是风起了，绿灯亮了，那个人也走开，羽毛又再一次地漂泊。这时候音乐的情绪再次高涨起来，就像人生一样，一波未平一波又起。羽毛告别了天空中的飞行，又开始了新的一段地面上的飞行，体验另一种不同的生存环境。此时的音乐除了钢琴主旋律外还有竖琴、提琴混合在一起，听起来更加的激昂、饱满，充满活力与新鲜感。这段片头音乐与整个影片的情感基调也很相符——人生也是这样，从一个环境到另一个新的环境，总是充满新鲜感与未知，生命也因此有了意义。

二、亲情、乡情类

1.拉赫玛尼诺夫《第二钢琴协奏曲》

《c小调第二钢琴协奏曲》是俄罗斯的作曲家、指挥家及钢琴演奏家拉赫玛尼诺夫最成功的代表作之一。首演于1901年10月27日，这部作品明朗、真挚、完整而深刻，音乐中洋溢的热情和力量，反映了当时新兴的俄国资产阶级知识分子的精神状态，也显示了拉赫玛尼诺夫音乐创作中的浪漫主义风格，确立了他当时的影响和地位。

《c小调第二钢琴协奏曲》是拉赫玛尼诺夫最成熟的作品之一。但是，在此之前，作曲家却由于《第一交响曲》在1897年首演的失败，遭受了沉重的打击，停笔写作近三年之久，并患了严重的神经衰弱症，1900年5月，作曲家接受了医生N.V.达尔博士的治疗并痊愈，同时找到了人生的归宿与爱人走入婚姻的殿堂，本曲是应伦敦爱乐协会的邀请而

作，题献给达尔博士。首演时，钢琴部分由作曲家本人主奏、吉罗蒂指挥、莫斯科爱乐乐团协奏。这首历经磨难讴歌生命之树常青的经典之作，历经百年考验，曲子中很明显地可以感觉得到“大风景”前夕的那种情绪，作为日益高涨的革命浪潮的反映，这是对光明和革新的追求，是乐观的英雄性表现，因此抒情的音流特别饱满、强壮而有力被认为是俄国钢琴协奏曲中的不朽名作，堪称20世纪钢琴协奏曲的经典。

《c小调第二钢琴协奏曲》的创作时期正是俄国革命前夕，黎明前的黑暗，加上统治阶级的残酷压迫，整个俄国处于一种压抑状态，许多知识分子茫然看不到出路，使作曲家也深受影响。整首曲子的艺术形象特别丰富，它兼备严峻的戏剧性和明朗而奋激的抒情性，这种对比用两组不同的音乐形象来体现，其中一个是充满意志力的主题，它的节奏明晰，但饰有阴暗而严厉的色调，另一个则是情绪激昂、宽广自由地流转的歌曲性旋律。在《第二钢琴协奏曲》中，拉赫玛尼诺夫一方面以悠长抒情的旋律抒发其内心的抑郁与悲伤，一方面通过恢弘的气势表达其刚毅的意志。乐曲结构安排合理、音调抒情优美、写法精湛、复调技法完美、配器趋于炉火纯青。尤其是作为钢琴协奏曲，钢琴与管弦乐队的平衡十分恰当，可以说，只有与乐队协奏演出多次经验的人，才有可能获得如此高明的平衡感，才能驾驭如此庞大的音乐作品。

作为音乐历史上不可忽视和不可遗忘的作曲家和作品，各种人从各种方面对这部协奏曲进行过多方面的评价，比如“拉赫玛尼诺夫综合了李斯特的强烈的钢琴风格传统以及格林卡以来的俄罗斯传统音乐中具有广泛咏唱性和质朴的情绪表现力…… ”，这段文字从音乐风格角度概括了这部协奏曲的总体风格特征，并且从一定意义上反映了拉氏在音乐上的“继承性”特征，又如“……此时正值俄国革命前夕，整个俄国正处于统治阶级的残酷统治之下，好似一座监狱，许多知识分子对现实深感不满和苦闷。拉赫玛尼诺夫的早期作品就反映了当时俄国资产阶级知识分子困惑、绝望、看不到出路的忧郁心情，同时也反映了他们对现实的不满和寻求个人精神上的寄托。在他的代表作《第二钢琴协奏曲》中，拉赫玛

尼诺夫一方面以深沉的音调抒发他内心的忧郁与悲伤，另一方面也通过气势磅礴的高潮来表达他满腔的激愤 ”，这段文字从当时的社会背景以及拉氏在这一创作阶段作品的主要风格和创作特征上总结了“协奏曲”所暗含的精神气质；另有一些文论中将全曲的风格定位于“浪漫俄罗斯经典忧伤风格 ”。在笔者看来，上述对于此曲的风格特征的概括均有其可取之处，但笔者认为：除了上述对于此曲概括之外，还可以认为这是作曲家一种心理上的苦闷、悲哀的宣泄，因为音乐毕竟有暗淡、有起伏、有高潮，同时，这些有关音乐表现力上的形容词或者说用于音乐分析上的某些词汇在这里变为了一种对于音乐风格特征、音乐情绪特征的概括；同时，作曲是一个非常主观意义上行为动作，在今天我们分析这部作品当然应当站在一个历史、宏观综合的角度来进行分析，并试图从分析中获取作曲家的创作思维与意图。

2.《大漠敦煌》

《大漠敦煌》是为纪念敦煌藏经洞发现一百周年，由甘肃兰州歌舞剧院以敦煌艺术宝库中灿烂的文化艺术为背景，通过大手笔投入和精雕细琢的艺术构思，打造出的一部大气磅礴的极富传奇色彩的四幕舞剧。全剧以敦煌艺术宝库的千百年创造历史为背景，以青年画师莫高与大将军之女月牙的感情历程为线索，演绎了一段可歌可泣的爱情故事。围绕在这个故事周围的，正是千年敦煌文化、璀璨丝路文明和人类对美好艺术的不懈追求。

青年画师莫高为追求艺术的最高境界前往敦煌。在穿越大漠的艰难中生命垂危，被偶然路过的女子月牙所救。不久，他们再次在敦煌相逢，萌生爱情。却遭月牙之父大将军反对，逼迫月牙在王公巨贾中招亲。为了爱，月牙星夜出逃，与莫高在洞窟相会；大将军率军包围。在血与火的面前，月牙再次拯救了莫高，却付出了生命的代价。月牙走了，化成一泓清泉；莫高以泉润笔，在巨大的悲怆中完成了艺术的绝唱。莫高窟千年不朽，月牙泉万代不枯；艺术、爱情；永远相伴、相守……

该剧以浓烈的笔墨，刻画了青年画工莫高不断追求艺术至高境界的坚韧形象，歌颂了忠贞不渝、纯洁炽热的爱情。莫高与月牙，也相互演绎出了一场中国版的“罗密欧与朱丽叶”式的凄婉爱情故事。

著名作曲家《青藏高原》的作者张千一用古朴典雅的西部音乐风格，贯穿作品始终。筝、埙、琵琶、箫管等传统乐器的加入与烘托，使苍凉、寥廓、雄浑、粗犷的主题音乐得以强化，大大增强了全剧的艺术感染力。曲作者巧用静场手法，可谓“弦凝指咽声停处，别有深情一万重”；情节陡转间，鼓乐激昂，一如“银瓶乍破水浆进、铁骑突出刀枪鸣”，产生强烈的冲击力与震撼力，以致人散场归来，仍有余音绕梁之感。

3.电影《泰坦尼克号》主题曲

《泰坦尼克号》主题曲《My Heart Will Go On》（我心依旧）是音乐家詹姆斯•霍纳创作的，是对这段凄美的爱情故事的总结。在配乐中，詹姆斯•霍纳采用了极富爱尔兰特色的爱尔兰传统乐器锡哨和爱尔兰风笛。由席琳·迪翁（Celine Dion）演唱，席琳·迪翁的气质中闪耀着高洁的光芒，她没有那种调动肉体热情的天赋，但却可以捉住精神升华的秘密，无论她的歌声回荡在晴空云端，还是死寂的海面，都是回荡，都是不停留于肉体的超越。

《My Heart Will Go On》具有浓郁的民族风情，不管是从创作风格，还是从演唱风格都具有独特的韵味，在不失宁静淡雅中感受到了亲人心脾的穿透力，更在舒缓的旋律中感受到远航的希望。因此，随着亲人们深情挥舞双手的依稀和大海衬托下游轮的缓慢前行，这首略带伤感的音乐似从九天而来，带着一种空蒙、辽阔的豪放之感，在我们耳际回响。歌声起伏跌宕、籁鸣啸天，却又缠绵悱侧、千回百转。这首歌的旋律即是影片的爱情主题。当这个旋律作为歌曲出现时，悲剧色彩已经减弱。仿佛是爱的誓言和爱的颂歌，把在影片所表现的悲剧事件中人的思想和品格给予升华。人们看完整部影片之后，从这首歌中再次

重温那令人无限唏嘘的故事和回肠荡气的激情。

《my heart will go on》这首主题曲，它在整部影片中一共出现了十一次，它每次出现都没有以完整的形式出现，但是每一次出现的方式都有所不同（包括使用的乐器等），以表达不同的情感情绪和渲染不同的气氛。它在整部影片中主要起到了抒情、背景气氛以及结构贯穿等作用。

4.电影《与狼共舞》主题曲

《与狼共舞》主题曲由电影配乐大师约翰·巴里创作，是影片的灵魂，整体音乐风格就如一个巨人的低声吟唱，壮美的西部草原在这平缓而又气韵十足的音乐衬托下令人想望不已，乐曲虽然音调始终不高，但依然让人感到气势不凡。从热带雨林里升起的蓝色爵士、迷离感性的大量弦乐、悲壮豪情的管乐……都在约翰巴里的精心调配下显示得流畅民间惬意、浑然天成。那是一种柔美与刚性的碰撞，典雅与不羁的颠覆，听觉与思维的考验。 20世纪80年代末期，佳作不断的John Barry约翰·巴瑞由于健康因素作品产量锐减甚至停顿，直到1990年才以《与狼共舞》复出，并获得了他的第4座奥斯卡最佳配乐奖。John Barry将这部作品献给了3位帮助他渡过健康危机的。

5. 电影《阿甘正传》主题曲（同上）

6.舞蹈《千手观音》背景音乐

当央视在春节晚会向世人展示中国残疾人艺术团的经典节目《千手观音》的时候，那一刻，千手观音让人们震撼了。这群来自无声世界的聋人，静穆纯净的眼神，娴静端庄的气质，婀娜柔媚的千手，金碧辉煌的色彩，脱俗超凡的乐曲……美得令人窒息，炫得让人陶

醉。光与影，梦与手绽放出层层叠叠的佛光普照，博爱四射的神圣之美。无声天使的舞姿，令现实中的一切污秽顿失。那是一种美与文化的结合，那美来自内心与凡世的安宁，那美来自灵魂和精神的升腾。她让人们明白了什么是无声的感动，什么是无言的强大。久违了的感动，触及了人类灵魂的深处，震撼无限。

《千手观音》不仅舞蹈美，音乐也美，采用的配乐给人以耳目一新的感。它集合了现代流行音乐节奏和各种不同的配器、音色、和声，从而使舞蹈流露出现代的气息。一开始的编钟与编磬，带领我们的情绪走入安详之后，紧接着是人声的佛音哼鸣，带领我们走进庄严与圣明。然后是一段柔和的江南丝竹，让我们想象到观音的足迹走到江南。在江南丝竹的后半部分，开始加入了更多的乐器和声部。乐器与声部的加强，是一种感情的铺垫，为了过度到之后的带有交响乐性质的快板。激昂之后是一段慢板的佛音哼鸣，与开始首尾呼应，但是通过声部的叠加来区别于开始的佛音哼鸣。整曲下来，使人们在短短几分钟里体验出东方神韵的热情、华夏文明的含蓄、民族精神的奔放和秀美，感悟到对众生美好生活的追求和向往。由于这首乐曲的感染力，一些诗歌朗诵爱好者们把它作为亲情、乡情类诗歌朗诵的音乐背景。

7. 班得瑞音乐

1990年发迹瑞士的班得瑞，来自一群爱好生命的年轻作曲家、演奏家及音源采样工程师等等青年才俊。团长奥利弗·史瓦兹是一位多才多艺的音乐人，不但专长多种乐器，更熟稔先进的录音工程。他的特别率先采用先进的数字采样技术，将自然界的声响，运用后期母带24bit数字录制，钜细糜遗地记录下来清晰无比音质。奥利弗史瓦兹更曾与为莎拉·布莱曼制作“Time to Say Good-bye”的天王制作人亚历士克·里斯坦森合作，但挚爱新世纪音乐的他，最终选择将一身才华奉献给瑞士山林！班得瑞闻名全球的独特之处

莫过于班得瑞每当执行音乐制作时，从头到尾，深居在阿尔卑斯山林中，坚持不掺杂一丝毫的人工混音，直到母带完成！置身在欧洲山野中，让班得瑞拥有源源不绝的创作灵感，也找寻到自然脱俗的音质。每一声虫声、鸟鸣、花落流水，都是深入山林、湖泊，走访瑞士的阿尔卑斯山，罗春湖畔、玫瑰峰山麓，少女峰等处实地纪录。班德瑞的《日光海岸》专辑包括情境音乐 –《仙境Wonderland》（1990年1月）、优美名曲 –《寂静山林Silence with Sound from Nature》（1990年1月）、自然音乐 –《春野One Day in Spring》（1999年）、 冥想音乐 –《蓝色天际Heaven Blue》（2000年1月）、 放松音乐 –《迷雾森林Mist》（2002年） 、 心灵音乐 –《日光海岸Sunny Bay》（2002年）、 灵感音乐 –《梦花园Garden of Dreams》（2002年）、 清晰音乐 –《琉璃湖畔Crystal Lake》（2002年）、 舒柔音乐 –《微风山谷Breezy Valley》（2003年）、沉思音乐 –《月光水岸Moonlight Bay》（2004年）、山林音乐 –《雾色山脉Misty Land》（2006年2月）、环境音乐 –《翡翠谷Emerald Valley》（2007年5月）、心情物语 –《旭日之丘Sunrise Hill》（2009年6月）。其中乐曲《童年》，让人回想起过去的时光，听了有种想哭的冲动…… ，长笛与黑管永远是管乐重梦幻组合，叠轻柔的钢琴上，顺记忆穿针引线，副歌中穿插一段凝人和声，是整首曲子接在主题后经营出来的高潮，刚巧呼应着全程串场风铃声，两者在编曲中分工架起，迷雾般的帷幕，是亲情，乡情朗诵作品最合适的音乐背景。《Snowdreams 雪之梦》出自班德瑞的自然音乐《春野 One Day in Spring》专辑，常在一些情感类，尤其爱情播讲中充当背景音乐，有一点淡淡的哀伤。《宋家王朝 The Soong Sister》出自班德瑞Bandari的灵感音乐，作品恢弘又凄婉，港台的电视剧多爱用此背景音乐，如李若彤版《神雕侠侣》；《你的笑颜Your Smile》常被用电台作为午夜节目的背景音乐，也经常用于朗诵配乐。

三、爱情类

1. 小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》

小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》由何占豪、陈钢作曲，1959年写成并首演。这是以我国人民家喻户晓的民间故事《梁山伯与祝英台》为题材，以越剧里的部分曲调为素材写成的一首单乐章标题协奏曲。全曲以梁山伯与祝英台的故事较有代表性的三段剧情——相爱、抗婚、化蝶为主要内容。这个千古传颂的故事，一段柔美、深情地旋律，打动了多少爱乐人的心。

在创作《梁祝》时，故事流传在浙江一带，越剧是浙江的代表剧种，他决心从越剧音乐中取材。据平时的观察，许多越剧名演员，不论他们演出任何剧目，只要唱到一段唱腔时，台下都会博得热烈地掌声为之呼应。作者抓住了这段唱腔作为《梁祝》中“爱情主题”的基本音调。这段主题是全曲的核心的音调。独奏小提琴从柔和朴素的A弦开始，在明朗的高音区富于韵味地奏出了诗意的爱情主题。在音色浑厚的G弦上重复一次后，乐曲转入A微调，大提琴以潇洒的音调与独奏小提琴形成对答（中段）。后乐队全奏爱情主题，充分揭示了梁祝真挚、纯洁的友谊及相互爱慕之情。

在独奏小提琴的自由华彩的连接乐段后，乐曲进入副部。这个由越剧过门变化来的主题，由独奏小提琴奏出（包括加花变奏反复）。这个副部主题与柔美、抒情的主部主题形成鲜明的对比。音乐转入活泼、欢快的回旋曲，旋律轻松活泼。独奏小提琴模仿古筝、竖琴与弦乐模仿琵琶的演奏，作者巧妙地吸取了中国民族乐器的演奏技巧来丰富交响乐的表现力。独奏与乐队交替出现，描写梁祝同窗共读时的生活情景。传说中祝英台女扮男装去读书，在途中与梁山伯相识后两人情投意合，结拜为兄弟。这段音乐主题就是表现梁祝同窗三载共读共玩时的情景。在这段快板过后，音乐转入慢板，副部主题中的结束部。抒情而徐缓现在已经是断断续续的音调，表现了祝英台有口难言，欲言又止的感情。而在弦乐颤音背景上出现的“梁”、“祝”对答，清淡的和声与配器在弦乐颤音的衬托下，梁祝二人同窗三载就要分别，音乐表现十八相送、长亭惜别的依恋之情。传说中二人在临别时，祝英台假意说家中有个妹妹愿嫁与梁山伯，约梁山伯去探望。而这部分最后低沉的音响预

示出不详的事情就要发生。突然，阴森可怕的大锣与定音鼓以及惊惶不安的小提琴，把我们带到这场悲剧的斗争中。

这部小提琴协奏曲，综合采用交响乐与我国民间戏曲音乐的表现手法，依照剧情的发展，精心构思布局，寄托了人们对悲剧中男女主人翁的深切同情和祝愿，也表达了人们对美好生活的追求和向往。通过对这部协奏曲的欣赏，让人产生一种对美好纯真的爱情的无限向往，同时也产生了一种对破坏这种美好的恶势力的深恶痛疾。

2.柴可夫斯基《天鹅湖》组曲片段

《场景》是选自柴可夫斯基创作的芭蕾舞剧《天鹅湖》第二幕的开场音乐。《天鹅湖》是世界上最出名的芭蕾舞剧，也是所有古典芭蕾舞团的保留剧目。在乐曲《场景》的一开始双簧管以动人的音色奏出温柔而略带忧伤的天鹅主题，描绘了天鹅纯洁、端庄而略带哀怨的形象。在尘世这一主题时，竖琴在弦乐陪衬下，奏出了徐缓舒展的琶音，仿佛宁静湖面上荡起的层层涟漪，天鹅主题更显柔美、清纯。

3.舞剧《铁道游击队》乐曲片段

为纪念中国人民抗日战争暨世界反法西斯战争胜利65周年,献礼建军83周年,总政歌舞团积57年艺术积淀,于2010年\"八一\"期间在国家大剧院以一流的制作班底、一流的创作团队、一流的演出阵容、一流的视听呈现,隆重推出大型红色经典舞剧《铁道游击队》。该剧改编自刘知侠的同名小说，以舞剧的形式，艺术表现红色经典文学名著《铁道游击队》，在舞台上波澜壮阔地展示中国人民在抗日战争时期万众一心、众志成城抵御外敌入侵的斗争历程。

该剧首次以舞剧的形式，艺术展现红色经典文学名著《铁道游击队》，在舞台上波澜壮阔地展示伟大的中国人民在抗日战争时期万众一心、众志成城抵御外敌入侵的斗争历程，浓墨重彩地描绘这一特定历史时期，无数优秀的中华儿女为了国家、民族的独立和解放，赴汤蹈火、舍身取义的英雄群像。艺术再现了在民族危亡的关键时刻，在中国共产党的正确领导下，中国人民的巨大民族觉醒和空前民族团结，历经艰辛而最终赢得正义的胜利、和平的胜利、人民的胜利！赢得中华民族和世界各国人民永远值得纪念的胜利，为世界反法西斯战争胜利作出重大贡献的豪迈战斗里程。大型红色经典舞剧《铁道游击队》荟萃了全国一流的制作班底：该剧艺术总监由彭丽媛担任；总策划由张千一、张方军、王玉祥、赵季平担任；策划由李社、赵大鸣、杨笑阳担任；音乐总监由享誉中外的曾创作了《黄土地》、《大阅兵》、《红高粱》、《霸王别姬》等众多经典电影音乐的著名作曲家赵季平担任；

《铁道游击队》的确称得上是一台宏大、壮美而令人震撼的经典舞剧。大开大合、大起大落、大悲大喜；体现在它无处不有的独特的舞蹈语境中；而震撼，不仅仅是那战火的深重与爱情的悲壮，就是那一排排芦苇、一碗碗老酒、一只只彩扇、一条条红绸，仿佛也在哼着抗战岁月中的曲调，流着热辣辣的眼泪，用昂扬而悲壮的呐喊，讲述那个年代的前赴后继、坚强不屈，告诫今天的人们应该永远地记住：历史是不能忘记的。

5.古诺《圣母颂》

《圣母颂》原来是天主教徒对圣母玛利亚的赞美歌，其歌词最早是由罗马教廷于1545年起召开的特洛特会议上确定的。但19世纪以后，《圣母颂》的歌词已经不再是单一由官方（教廷）确定，而是变得比较自由。除了必须含有的对圣母的赞颂之外，其它戒律均被打破。作曲家借它抒发感情和对未来的希望，故在不同程度上具有世俗的成分，而不仅仅限于宗教的范围。许多著名的作曲家也结合《圣母颂》的演奏创作了不同风格的乐曲，

如舒伯特将《圣母颂》改变为合唱曲，管弦乐，小提琴独奏曲和长笛独奏曲。

我们这里所说的《圣母颂》(Ave Maria)是法国浪漫时期的著名音乐家古诺创作的小提琴协奏曲，这位天才的作曲家一生中创作了数量颇多的作品，著名的歌剧《浮士德》、《罗密欧与茱丽叶》等12部歌剧出自他的手笔，此外有交响曲与弦乐四重奏等重要作品。《圣母颂》所使用的伴奏是巴赫《平均律钢琴曲集》（Well-Tempered Clavier 1）第一首《C大调前奏曲与赋格》（BWV846）的前奏曲部分。《圣母颂》作品始终充满着一种高雅圣洁的氛围，使我们如同置身于中世纪古朴而肃穆的教堂之中；而《C大调前奏曲与赋格》的前奏曲部分则精美绝伦，集纯洁、宁静、明朗于一身，满怀美好的期盼，以这样一首乐曲作为《圣母颂》的伴奏，确实是恰如其分。最难得的是，古诺竟将它与自己歌曲的旋律结合得天衣无缝，浑然一体，可谓巧夺天工。正由于它优美的旋律，令人神往的音乐，许多人把它作为互相传颂的胎教音乐，更是难得的为爱情诗作朗诵配乐的背景音乐。

6. 电影《乱世佳人》主题曲

《乱世佳人》主题曲《my own true love》荡气回肠的音乐声响起，眼前仿佛展现出一片一望无际的红土地，漫天浓重的乌云铺天盖地席卷而来，遒劲的大树，展示了亘古的沧桑，记载着千古的绝唱。树下站着一个敢爱敢恨，为爱可以付出一切的传奇女人斯嘉丽，握紧拳头朝着天空大喊：“As God as my witness…as god as my witness they're not going to lick me. I'm going to live through this and when it's all over, I'll never be hungry again.”（上帝为我作证……上帝作证，我是不会屈服的，我要渡过这难关。战争结束后，我再也不要挨饿了）这首音乐将一个女人的爱恨情仇恰到好处地展现出来。似乎让人感受到，爱情那惊天动地的力量。斯佳丽的故事发生在过去，但随风而逝的只是那一段可歌可泣爱情故事，真情却永远扎根于人们心灵的沃土，那是人类向往的伊甸园。几千年来，人们在短暂的生命过程中苦苦的寻觅着属于自己那份“真爱”，真爱如天山上的雪

晶莹剔透，纯净洁白；如深埋地下的宝石光芒四射，绚丽多彩；真爱唯美，坚贞不屈，万世不朽。

全部歌词中没有一个意象，全是热情得烫手的“真爱”“永远”“吻”“怀抱”等，配乐更是古典得一塌糊涂，演唱则用上了高难度的，貌似随意的颤音，浓情密意加上崇高的交响，天籁之音，悦耳清心……

7. 圣桑大提琴协奏曲《天鹅》

《天鹅》是法国作曲家圣－桑所作的管弦乐组曲《动物狂欢节》中流传最广的一首乐曲，由大提琴演奏，描绘了洁白高雅的天鹅在碧波涟涟的湖面上悠然漫游的优美形象。两架钢琴伴奏。展现了清澈明丽、波光粼粼的湖面，乐曲充满了浓郁的诗情画意。芭蕾舞《天鹅之死》即是根据这首乐曲构思的。作者通过安娴、幽静略带忧伤的音调，形象地刻画了“天鹅”纯真的情感和高雅的姿态。

圣-桑的《动物狂欢节》作于1886年，用两架钢琴和管弦乐队演奏，乐曲的副标题叫做“大动物园幻想曲”。由十四首独立的短小乐曲组成，《天鹅》是第十三首，它不仅是一首大家所熟悉的脍灸人口的名曲，也是作者在这部作品中唯一允许在他生前叫人演出的乐曲，被视为圣桑的代表作品，这首大提琴曲被改编成各种乐器的独奏曲，甚至被改编为芭蕾舞《天鹅之死》。圣桑曾说：“我生活在音乐中，就象鱼生活在水里一样。”他感到自己写音乐，就象是苹果树结果，是十分自然的事。圣桑写了5首交响曲，4首管弦乐交响诗，12部歌剧，5首钢琴，3首小提琴和2首小提琴协奏曲，神剧，钢琴幻想曲，许多室内乐，100多首评价不太高的歌曲。其中最著名的有两架钢琴和管弦乐团演奏的著名的管弦乐曲《动物狂欢节》，其中演出的有大象，袋鼠，布古鸟，它包括了也许是为大提琴独奏写的著名的旋律《天鹅》以及交响诗《骷髅之舞》。

这首《天鹅》是整套组曲中最受欢迎的和流传最广的一首乐曲。圣-桑的不象其他的乐曲意在模仿和嘲弄（《动物狂欢节》里的大部分曲目都是带有嘲讽性质的，包括一些过去和当时的作曲家的作品，甚至连圣-桑自己的也有），而是刻意寻求表现天鹅本身固有的美和人们对它所作的美学评价。因此，它的主要旋律几乎没有什么装饰，但这样的轻描淡写却比华美的辞藻更适合于天鹅本身，也显得更加一往情深。 这部作品是作者专为自己闹着玩儿写的，由于其中引用其他作曲家的一些曲调，大都经过并非善意的改动，常常带有讥讽的意味，因此，当作曲家在世时，除了1887年2月在巴黎秘密为他的朋友演出过一次外，圣桑禁止在他生前演奏或出版这部作品，惟独其中的“天鹅”一曲可以例外。

8.音乐剧《罗密欧与朱丽叶》乐曲片段

《罗密欧与朱丽叶》是一部歌剧，改编自莎士比亚莎士比亚著名戏剧，于1867年4月27日在法国巴黎抒情剧院首映。2000年2月14日，音乐剧《罗密欧与朱丽叶》（《Remeo et Juliette》）在巴黎首演，立刻轰动了全法国，被许多专家和观众推举为有史以来最杰出的音乐剧，不但风靡法国，许多不懂法语的人也纷纷爱上了这部音乐剧。

这部音乐剧非常注意舞蹈和音乐的配合，跟音乐搭配简直就是天衣无缝，当那些danseurs和danseuses舞蹈时，音乐是用相当现代化的电子舞曲，也不会让人感到任何的不自在。在电子舞曲结束之后，接着出现的又往往是非常典雅的古典音乐，就这样来回穿梭于古今间的音乐似乎是一体的，所以说这部音乐剧一开始就在视觉和听觉上带来了强烈的震撼。 正由于古典和现代音乐的融合，朗诵爱好者们在进行那些时间跨度较大的作品朗诵时，选择这部音乐剧的音乐片段作为背景音乐。

四、校园青春类

五、1. 《仲夏夜之梦》序曲

《仲夏夜之梦序曲》门德尔松在1826年为莎士比亚的喜剧《仲夏夜之梦》创作的一部音乐会序曲，它曲调明快、欢乐，是作者幸福生活、开朗情绪的写照。曲中展现了神话般的幻想、大自然的神秘色彩和诗情画意。全曲充满了一个十七岁的年轻人流露出的青春活力和清新气息，又体现了同龄人难以掌握的技巧和卓越的音乐表现力，充分表现出作曲家的创作风格及独特才华。

在虚无缥缈的短引子之后，音乐进入小提琴顿音奏出的轻盈灵巧的第一主题，描绘了小精灵在朦胧的月光下嬉游的舞蹈。随后出现的第二主题欢乐而愉快，由管弦乐齐奏伴随着雄壮的号角，呈现出粗犷有力的舞蹈音乐，并立即转入热情激动而温顺的恋人主题，曲调朴素动人。经过多次音乐的发展变化，乐队又奏出了舞蹈性的新主题，具有幽默、谐谑的特征。在后来门德尔松所作的十二首《仲夏夜之梦》戏剧配乐中，也有一些非常著名的篇章，常被编为组曲演奏。

2.电影《栀子花开》主题曲

《栀子花开》由吴娈作词作、谱曲、周笛编曲，收录在何炅2004年7月发行的第一张专辑《可以爱》中，专辑筹备近三年，于2004年发行。主打歌曲《栀子花开》在音乐排行榜连续几周名列榜首。 何炅先期推出的单曲《栀子花开》是一首献给毕业生的歌曲，轻轻的音乐淡淡的描述着离别的心情，简单的音乐节奏，让人在聆听时能感受到空气中轻盈地飘出栀子花带来的阵阵清香;朗朗上口且清新自然的曲调和歌词，具有非常浓郁的校园气息。特别值得一提的是，单曲《栀子花开》MV的拍摄地点之一特别选在了毛主席的母校--湖南第一师范学校，美丽的校园也让整首歌的情绪被渲染的更加强烈 栀子花的花语是--“喜悦”，就如生机盎然的夏天充满了未知的希望和喜悦。 也有解释说栀子花的花语是

--“永恒的爱与约定”。很美的寄托。大意是因为，此花从冬季开始孕育花苞，直到近夏至才会绽放，含苞期愈长，清芬愈久远;栀子树的叶，也是经年在风霜雪雨中翠绿不凋。于是，虽然看似不经意的绽放，也是经历了长久的努力与坚持。或许栀子花这样的生长习性更符合这一花语。不仅是爱情的寄予，平淡、持久、温馨、脱俗的外表下，蕴涵的，是美丽、坚韧、醇厚的生命本质。 另外: 从栀子花开放的季节来说呢, 它刚好是在每年的六七月,这个时候,又刚好是毕业生们毕业的时候,在这个栀子花漫开的季节,大家面临着分别,多多少少会有很多感伤,所以说在感伤中又不失浪漫地用到了栀子花来比喻. 还有一点,栀子花的颜色,是那种不带一点杂色的白,很纯洁!校园中那些朦胧的爱,那些纯情用白色来形容,是最好不过了,而花一样的年华,花一样的故事,当然要用美丽的栀子花来表达。

《栀子花开》轻轻的音乐淡淡的描述着离别的心情，简单的音乐节奏，让人在聆听时能感受到空气中轻盈地飘出栀子花带来的阵阵清香；朗朗上口且清新自然的曲调和歌词，具有非常浓郁的校园气息，收到广大学子的喜欢。

3.班得瑞音乐作品（同上）

4.雅尼《nightingale 夜莺》

《夜莺》是希腊作曲家雅尼作的；杨诚俊悲剧电影《破舱》的主题音乐。歌曲来源于安徒生童话《中国夜莺》，剧情大致如下：遥远的中国有只夜莺，起初它美妙的歌声，只有母亲生病的贫苦女孩可以听到，生在皇宫享受富贵的人听不到。后来皇帝把夜莺请到了皇宫，为它的歌声倾倒。后来有人发明了机器夜莺，可以重复无休止的歌唱，于是自然的夜莺被冷落了，它又飞回树林，为穷人歌唱去了。有天皇帝要死了，机器夜莺也坏了，这只夜莺又飞了回来，美妙的歌声连死神也陶醉了，皇帝又起死回生。

《夜莺》是一首充满中国古典音乐情调的现代电声音乐作品，它的特点是乐曲中加入了中国的竹笛。笛子的悠扬，清越，小提琴的婉转，飞扬，大提琴的低沉，肃穆，还有钢琴和电声乐队的雄浑，壮丽，最后还有人声的加入，充分显示了乐曲的独特魅力。它的创作有这样一段故事:雅尼很久以前在意大利海滨度假,每当傍晚时候都会有一只小鸟到他的窗前歌唱,雅尼被小鸟的歌声迷住了,他觉得小鸟的鸣叫中充满了旋律和节奏,就想为这只小鸟谱一支曲子,但是他找不到合适的乐器来模仿小鸟的叫声。后来,雅尼的一个朋友向他介绍了中国笛子,并为他示范演奏,雅尼立刻就想起了意大利的那只小鸟,他觉得中国笛子模仿小鸟的鸣叫再合适不过了,就很快谱出了这首中国味道十足的《夜莺》。

淡淡的弦乐远远的响着，西洋箫开始吹出柔美悠远的旋律。就象月夜下，空旷的原野中，夜莺开始歌唱。这一段，以西洋箫模仿夜莺的鸣叫为终了，然后清朗的钢琴加入进来，略带迟疑，小心翼翼的奏响。如同一个深夜未眠的人，远远听见夜莺的歌唱，开始去寻访，又怕扰飞了夜莺。西洋箫在钢琴奏完一段后再次响起。如同夜莺在听到些微的动静后，沉寂了片刻，又开始歌唱。钢琴间略的合奏，慢慢的，弦乐也加入进来，和钢琴汇合成了一道洪流，而西洋箫的声音仍是清晰明亮的，象一只燕子飞舞在一条河流之上。如同夜莺的歌唱吸引了越来越多的人来倾听欣赏，发出感叹和赞美，而夜莺唱得越发好听了。

乐曲从高亢嘹亮的巨响转入清空恬淡的寂静，如同从一条奔涌的河流来到了平静的湖面，我们的心一下子沉静了下来，来到了最华彩最动情的段落。明亮甜美的小提琴，深沉浑厚的大提琴，彼此开始眉目传情，互通款曲，音色和合奏都层次分明，炉火纯青，鸣珠奏玉般的钢琴漫不经心的敲打着，西洋箫在遥远的地方轻轻的唱和。提琴，钢琴，西洋箫配合的亲密无间。如同人们在聆听了夜莺的歌唱后，内心涌起了非常美丽非常动情的共鸣，提琴的弦，正如我们的心弦。

曲子又从静美转向洪流，所有的乐器都加入进来，纵情的歌唱。我们发现奔涌的洪流

中有人的合唱声，灼热嘹亮，人是造物主最精妙的设计，人的声带也是世间最好的乐器。贝多芬在他最伟大的第九交响乐中，除了近百人的交响乐团外，还加了一个很大的合唱团，因为只有人声，才能表达发自内心的巨大喜悦。雅尼也喜欢拿人声当乐器来用，或赞叹，或歌吟，或是呼喊，经常没有什么词句，只是单纯的美妙的人声。

乐曲在结尾的时候反而越来越高，在一声轰然巨响中噶然而止，如同千百个烟花同时绽放。

夜莺只为愿意倾听的人歌唱,不论你的富贵贫贱,它身上有最高贵的人性。 夜莺是属于所有人的，可当你需要的时候，只要安静的坐下来，去倾听和共鸣，这时候，它是专只唱给你一个人听的。

5.《致爱丽丝钢琴曲》

《致爱丽丝》原名《a小调巴加泰勒》，是贝多芬在1810年创作的一首独立钢琴小品，是贝多芬献给“爱丽丝”的纪念作品。在1867年被后人所发现，后收录在《贝多芬作品全集》第25卷的补遗部分59号。作品采用回旋曲式写成，结构是ABACA。其中A部为回旋曲的主部（叠部），共出现了3次；B部和C部为与A部起强烈对比的两个插部。

贝多芬一生没有结过婚，但他却一直在为甜蜜的爱情而不懈地追求着，《致爱丽丝》的创作就包含了这样一个富于浪漫色彩的故事：当贝多芬年近40岁时，他曾带过一个名叫特蕾泽的女学生，并对她产生了好感，此时的贝多芬心情非常荡漾，于是写下了一首钢琴小品送给了这位学生，并在乐谱上题上了\"献给特蕾泽\"，后来，这份乐谱一直就留在了特蕾泽那里。贝多芬逝世后，在他的作品目录中也没有这个曲目，直到40年以后，德国音乐家诺尔为写贝多芬的撰记，在整理特蕾泽的遗物中才发现了这个手稿，但在发表这个

乐谱时，却把“特蕾泽”笔误为“爱丽丝”，待要澄清的时候，人们已接收了《致爱丽丝》这个既成事实。但我却认为，“特蕾泽”也好，“爱丽丝”要好并不是最重要的，我们可以理解为贝多芬归根结底要献给的，是崇高的“爱情”，是人类所有善良的女性。在这首《致爱丽丝》中，贝多芬基于了一个淳朴而亲切的主题，把特蕾泽温柔、美丽的形象作了概括的描述，在作品的前半部分，好似贝多芬有许多亲切的话语正在向特蕾泽诉说，后半部分听起来好象二人在亲切地交谈 。

虽然《献给爱丽丝》仅仅是贝多芬的一首钢琴小品，但是其中运用的和声手法仍然体现了贝多芬作为一位“承前启后”的作曲家的风格。虽然连贝多芬自己也把它称为“微不足道的音乐”，但是《献给爱丽丝》却是不折不扣地体现了贝多芬一贯的创作思维，里面同样凝结了贝多芬的充满个人风格的创作理念。尽管《献给爱丽丝》只是一首演奏时间只有分多钟的小品之作，但也可以说是贝多芬音乐创作的一个浓缩体，同样渗透了他的精神表达。

6.《雨的印记钢琴曲》

雨的印记钢琴曲由韩国出自韩国音乐家YIRUMA创作，他擅长描会爱情, 这首曲子的创作源于一个星星满天的夜晚， 忽然间一场雨，让YIRUMA有感而发写下Kiss The Rain。

琴声如雨滴般透亮清爽，看着窗外那淋漓在雨中的桃花树，那雨后凝在花叶上的水滴，饱满而轻盈滑动，随之慢慢落下。听着那从琴键中跳跃出来的，不带半点凡世尘埃的音符。清冽的音符，在雨里演绎着一种紫陌成尘后的平和。心随着音乐，瞬间变的无比平静。 雨天，撑把伞独自到野外兜雨，听着伞背滴答的雨声，人仿佛被雨天带出了尘世，到了另一个处所，离那纷纷扰扰的世界很远很远。雨滴落在脸上、手上、身上，会有一种让人真实触及灵魂的感动，会让人想将自己也化作雨滴,心绪飞扬、心无杂念地沉浸到雨中，与其融

为一体。

琴声将大自然赋予雨的所有灵性，用最诗意的音符表达了出来。看着洁净、清纯、空灵的画面，似乎俗世的凡尘，也瞬间变得清新明净起来，空气中飘荡着如水的旋律，弥漫着草香、花香、与雨后所独有的水土的清香……

《雨的印记钢琴曲》展现了兼融东方的抒情与西方的典雅细致的音乐风格，展现他傲人的古典才情与欧洲人善感的特质； 同时，纯净与清新的东方特色也呈现在他的音色里。 藉由细致的音乐性探触，他精致的演奏技巧， 给予人一种非凡艺术家的深刻印象。

7.《神秘园之歌》

《来自神秘园的歌》专辑1996年4月首次推出首，大获成功，影响遍及世界各地。乐队溶合了爱尔兰空灵飘渺的乐风以及挪威民族音乐及古典音乐，乐曲恬静深远，自然流畅，使人不知不觉便已溶入其中。

《神秘园之歌》乐曲舒缓柔美，充满了思忆，不经意之间流露出些许的忧愁，令人不得不沉醉于其中。这张专辑的名称来源于一个童话故事：一对小兄妹被贫困的父母遗弃于森林之中，他们借着白石在月夜下的反光找到了家。作者寓意很明显，是希望通过这张专辑里美妙的音符，让在忙碌的现代生活中迷失自己的人们找到自我。我想我们至少可以在他们的音乐里暂时逃避那些现实生活中的烦恼与压力，进行一下精神的放松及享受。这张专辑在原有的风格里又加入了一些跳跃的拉丁节奏，显得比第一张轻快明亮了许多。

专集的伤感能杀死人，让人像迷失在神秘的丛林里，黑暗的看不到天，找不到出口，沉溺在这样的黑暗中，象一个人孤独的坐在路边大树的阴影下，静静看路上人来人往，别

人看不到你你也不想被看到，因为你害怕，因为你孤独，你知道这不是什么好事，但只有这样，受伤的心才能感到一丝安全，这样的孤独一直在诱惑你。

《the rain》由日本音乐人、作曲家、钢琴家久石让创作，是北野武的电影《菊次郎的夏天》里的电影配乐。《the rain》可以说是一曲\"先抑后扬\"的音乐:开始的一段钢琴把人带入一个雨夜的世界，随后忧伤的小提琴声响起，如同一个思绪重重的人陷在哀伤的记忆中……短暂的雨声后，有着相同旋律的大提琴音渐渐响起，似乎是被前者感染唤起了相同的感情一般，只是声音更加低沉，最后也渐消于无……世界似乎陷入了无边的雨夜中……然而也并不是真的无边，随着音调的走高，一段欢快的旋律出现了，像是主人公经过昨夜的洗礼，收拾好了心情，重新振起精神，迈着轻松坚定的步子重新上路了……

在电影中《the rain》是为正男和菊次郎困于公车站时的配乐，而影片的中心也是从此时正式展开:当菊次郎知道正男从没见过自己的母亲后，被唤起了相同的感情，天亮后带着正男踏上寻找母亲的旅途。在这里小提琴演绎的是正男的心事，大提琴则演绎着菊次郎的心事。

8.《夏天》

《夏天》是一首流行歌曲，由古小力填词，周杰伦作曲，李玖哲演唱。这首歌收录在李玖哲2010年发行的专辑《好玖》中。李玖哲说，这次两个人能够完成合作是因为有一次他跟周杰伦吃饭，周杰伦知道他要发片了，便说可以给他写歌。但是之前很多“天王”都说过给他写歌，但是后来李玖哲打电话给他们时却都联系不到了。不过周杰伦做到了，很感谢他写了这首歌给自己。

这首歌曲是周杰伦为李玖哲量身定做。歌中细数情人之间的温暖细节，时而温暖，时

而俏皮。从第一个音符起，在旋律走向上就已经带有“周杰伦式”的风格了，李玖哲的嗓音除了辨识度高，在这首《夏天》中，还演绎了一把“拨乱反正”的技巧大示范，活生生把这首《夏天》也唱成了另一首“玖”式R&B，李玖哲声音中的厚实度在这里发挥了很大作用 。Jae Chong对这首歌曲的编曲实际上并没有刻意要掩盖周杰伦的味道，还因为李玖哲的出色演绎为歌曲添色不少，特别是副歌部分，李玖哲对假音的大量运用成为了整首歌的一个亮点，从而让歌曲的可听性提高到了一个新的层次。

9.《承诺》

《承诺》是陈翔演唱的偶像剧《落跑甜心》插曲，后被收录在陈翔首张原创EP《初告白》中。这首歌是创作才子陈翔一边拍摄《落跑甜心》，深受剧中故事启发，一边创作出来的歌曲。在陈翔带着些微无奈与感伤的唱腔中听见自己心底的声音，也听见对方同样想爱的心情。

《承诺》，是典型的中慢板型作品，拥有类似民谣的流畅且简洁旋律，陈翔那略显忧伤的唱腔，在柔和的钢琴声的映衬下可以说显得无比的动人，是一首很美的情歌，关于爱、关于寂寞、关于思念。这首歌中表现的执着和深情，既符合了陈翔一直以来的音乐定位，更通过这种自我的表达完美展现了个人气质，对于年轻的陈翔而言，能写出如此美丽的作品，绝对是他的实力的最好的一次展示。